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R. II anno

“Di chi è la mia voce?”

Nel film “La grazia” di Paolo Sorrentino si pone una questione estrema: “di chi sono i nostri giorni?”. Non si chiede soltanto chi abbia il diritto di decidere la fine (il contesto riguarda il dibattito sull’eutanasia), ma chi stia decidendo il modo in cui la vita viene abitata. La domanda non è se possiamo controllare tutto, ma se ci sentiamo soggetti o spettatori del nostro vivere.
E allora: di chi è la mia voce?
Un attore professionista non può prescindere dalla conoscenza della propria voce.
E, ahimè, questo implica un processo di ricerca rigoroso, ampio e costante, che parte dal respiro fino alla corretta emissione vocale. La scuola di recitazione Fondamenta pone la vocalità come un aspetto fondamentale sul quale lavorare sin dal primo giorno, con un unico obiettivo: sensibilizzare l’ascolto di noi stessi.
Durante il primo anno, una volta a settimana, vengono dedicate due ore esclusivamente alla respirazione: “è importante che voi impariate a capire e descrivere come sta il vostro respiro”, sono le parole della docente Silvia Biferale.
È molto interessante notare che la voce parta già dall’inspirazione. Durante l’anno si lavora molto su una respirazione coordinata ai movimenti del corpo e sull’utilizzo di quest’ultimo per sostenere e tonificare la voce, che può esprimersi solo se supportata da una base stabile di appoggio. Ciò aiuta a sviluppare una voce tonica e presente e permette, inoltre, di scoprire abilità vocali sconosciute.
Tuttavia, gli attori comunicano con il pubblico, per cui non basta avere una buona emissione. Un attore deve saper parlare correttamente, rispettando la dizione e articolando in modo appropriato. Prosodia: l’abilità, attraverso un testo, di arrivare alla sospensione dell’incredulità, con una voce che ha colore, ritmo, volume, prossemica e intenzioni. Il percorso di dizione seguito con la docente Daria Esposito ha avuto proprio questo obiettivo. Una lettura o qualsiasi esibizione deve arrivare al pubblico e provocare una reazione. Conoscere la propria voce è un’arma a proprio favore.
Occuparsi della propria esigenza di farsi ascoltare: un attore si esibisce sempre secondo una relazione triangolare, composta da sé stesso, il proprio vettore scenico e il pubblico. Bisogna avere il piacere di esibire una voce che ha un corpo e che, attraverso di esso, non ha paura di emozionarsi, ma riesce, libera, a esprimersi, a commuovere, a coinvolgere. È parte di noi ed è ciò che ci rende unici. E l’unicità dipende dalla voglia di mostrarla.
E allora, di chi è la mia voce? Sono soggetto o spettatore di essa?
Sarà forse solo una mia impressione, dettata dall’esaltazione di questo periodo di
formazione, ma sento che ora, quando parlo, catturo maggiormente l’attenzione, mistanco meno e ho molta più sicurezza in me. So che il percorso di ricerca è ancora lungo, che sono solo all’inizio e che probabilmente una fine non esiste, ma percepisco già un maggiore benessere.
È la mia voce, è parte di me. Voglio conoscerla e usarla. E mi emozionerà. E vi emozionerà, ve lo garantisco.

Giuseppe I anno

La voce, insieme al corpo, sono i primi rivelatori delle nostre emozioni. È importante, quindi, per un attore conoscere bene la propria voce e capire come metterla a servizio della propria creatività. In tre anni di accademia abbiamo avuto la possibilità di sperimentare e ascoltare il nostro respiro e la nostra voce con diversi docenti, ognuno diverso e ognuno prezioso a modo proprio. Con Silvia Biferale abbiamo scoperto come ascoltarci, come capire come stiamo solo dal nostro respiro, e ad entrare in contatto con i nostri strumenti attoriali in modo semplice prima di iniziare a lavorare. Quando è arrivata la dott.ssa Spinelli finalmente abbiamo capito cosa, nel pratico, agisce nel nostro corpo quando emettiamo dei suoni o delle parole, ciò che è sano per un attore e le sue corde vocali e tutta una buona dose di teoria che non può mancare nel nostro bagaglio. Ascoltarsi da soli, però, non è sufficiente; durante il terzo anno abbiamo compreso l’importanza di ascoltare i compagni di scena anche vocalmente parlando, per riuscire ad accordarsi insieme come una grande orchestra.
Ed ecco che, a tal proposito, è venuta in nostro soccorso la docente Camilla Di Lorenzo con cui ci siamo appassionati al canto corale e che ci ha ricordato quanto sia fondamentale stare sull’altro e non su noi stessi per la buona riuscita di un’armonia (e di una buona scena!). L’ultima tappa del nostro viaggio vocale, ma non per importanza, è stata la docente Giorgia Bruno, rivelatrice del famoso “appoggio” di cui tutti i docenti ci hanno sempre parlato. Con lei abbiamo approfondito varie tecniche vocali, sia per il canto che per la voce parlata, e siamo riusciti a metterci alla prova al punto da scoprire delle nuove voci e tutto un nuovo modo di approcciarsi al canto e all’emissione vocale. Un grazie va a delle professioniste che ci hanno fornito insegnamenti e consigli inestimabili da portare sempre con noi nel nostro percorso, e grazie, come sempre, Fondamenta.

Elena G. III anno

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Una sera, infatti, per caso, durante quella che noi chiamiamo “l’edizione dell’Odéon” di Parigi, proprio in quel teatro, nel corso dell’ultimo atto si verificò un’interruzione di corrente. Il teatro rimase sprofondato nel buio.

Buia la platea, buia la scena. Gli attori restarono perplessi ed anche impauriti, poi uno di loro ebbe l’idea di accendere una candela di un candelabro in scena. E, rapidamente, come se fosse concertato, essi

cominciarono ad accenderne altre. Alcuni si spinsero nelle quinte, fin nei camerini, per cercare luce e tornarono e recitarono quello che doveva essere, quello che doveva essere recitato e portato a compimento davanti

al pubblico, per il pubblico. Essi lo fecero, illuminandosi reciprocamente, in un gioco improvvisato e quasi disperato che ci commosse tutti.”

Giorgio Strehler

L’incontro con Marcantonio Lucidi si è incentrato su Arlecchino servitore di due padroni edizione dell’addio di Giorgio Strehler.

Partendo dalle riflessioni degli allievi, ciò che salta immediatamente all’occhio è il modo in cui gli attori si muovono in scena.

Si tratta di una recitazione costruita sul movimento degli animali da cortile galline, galli, conigli, anatre…

Vi è un’antropizzazione dell’animale: l’animale che si fa uomo. Tutto parte dal corpo. Un corpo molle avrà una voce molle.

Vedere spettacoli del genere stimola noi allievi a prendere sempre più coscienza e consapevolezza di quanto il corpo sia il nostro strumento e di quanto sia importante allenarlo e preservarlo.

In questo spettacolo si assiste a vere e proprie acrobazie, c’è un feroce addestramento all’acrobatica.

Il corpo è la benzina della voce, la scalda, la fa partire e la nutre. Il sipario si alza e mostra in penombra tutti i personaggi in scena.

Vediamo le candele in proscenio che vengono accese una alla volta.

Arlecchino si muove con destrezza tra i personaggi e al suo battere di mani tutti i personaggi corrono a indossare maschere e cappelli.

Si voltano verso il pubblico, si inchinano.

Viene chiamata la musica e prendono vita come un corpo unico che si presenta al pubblico con giravolte, fazzoletti svolazzanti e risate.La scenografia è spoglia, essenziale: candelabri, qualche baule, un paio di tavoli.. Tutto si colora e si rende visibile tramite la recitazione degli attori, il modo in cui si muovono sul palco che porta l’occhio dello spettatore a viaggiare con l’immaginazione.

Arlecchino servitore di due padroni è una teatralità italiana, un’identità molto forte riconosciuta nel mondo.

E’ ancora oggi uno spettacolo artigianale. E’ lo spettacolo che, secondo molti attori, più racconta il teatro. E’ immortale. E’ l’essenza stessa del teatro. I ritmi sono infuocati.

Il leggendario interprete del personaggio di Arlecchino è l’attore

Ferruccio Soleri, che ha compiuto anche in età matura le acrobazie che il gioco del suo personaggio richiede.

Tutto questo grazie a una disciplina ferrea. La trama è complessa, piena di intrecci amorosi, travestimenti e viene fuori dalle azioni che compiono i personaggi.

In ogni scena succede qualcosa. Il complesso ruota però intorno a qualcosa di molto semplice e primordiale: Arlecchino, povero e affamato, per mangiare si mette a servire due padroni contemporaneamente finendo in un mare di guai esilaranti per il pubblico spettatore.

Come dice lo stesso Ferruccio, il suo personaggio è particolare, ingenuo, ama la vita e cerca sempre di risolvere tutto attraverso la furbizia che però frutta solo nel momento del bisogno. E’ chiaro, semplice, primitivo.

E questo è proprio il suo fascino. Il suo unico obiettivo è mangiare. In accademia, al primo anno, abbiamo avuto modo di studiare con Enrico Bonavera, allievo “di bottega” di Soleri.

Con lui abbiamo lavorato molto sulla tenuta fisica in scena, respiro, movimento degli animali, coordinazione tra pensiero e corpo.

Su Arlecchino dice:” E’ un personaggio antico. Vive in un eterno presente. Non si pone il dramma dei problemi per il futuro e per questo riesce a sopravvivere grazie a una grande forza vitale.”

Alla fine Arlecchino riesce a scamparla, a superare tutte le difficoltà. Rappresenta la speranza.

Per un attore interpretare personaggi come Arlecchino non è semplice, perché indossa una maschera e la maschera copre il viso.

Dalle espressioni della faccia si capiscono i sentimenti, gli stati d’animo.Arlecchino è nascosto, ma non può perdere i sentimenti.

Deve perciò farli vedere attraverso la mimica, la gestualità, il tono della voce. Tutto deve essere più accentuato per capire quale è il suo stato

d’animo mentre parla.

Fedele al testo di Goldoni, la regia di Strehler introduce però quello che è il tratto saliente dello spettacolo: il continuo gioco tra attori in scena e attori fuori scena. Quando scendono dalla pedana e si levano la maschera o escono dal ruolo gli attori continuano a commentare a voce alta ciò che accade sul palco, a interagire con gli altri ancora impegnati a portare avanti la vicenda, generando una serie infinita di lazzi irresistibili.

Tutto ciò che accade sul palco di questo spettacolo è anti-naturalistico, è una metafora del reale. Arlecchino è una sorta di demone, un essere dell’aldilà, al di sotto, perennemente in lotta per la sopravvivenza.

E’ un individuo della notte, del buio. Arlecchino servitore di due padroni è andato in scena per la prima volta al

Piccolo Teatro di Milano, fondato nel 1947 da Giorgio Strehler e da Paolo Grassi. E’ un teatro che nasce come servizio pubblico offerto alla popolazione, per portarla a una elevazione, per acculturarla. Goldoni e Strehler sono connessi.

Dalla riforma goldoniana del 1742-’45 si arriverà, due secoli dopo, alla riforma strehleriana.

Con Goldoni si passa dal canovaccio al copione, dalla maschera al carattere. Il teatro diventa uno spazio educativo e uno specchio della società borghese.

Con Strehler si ridefinisce il ruolo del regista e si dà vita a un “teatro d’arte per tutti”, moderno ed europeo.

C’è sempre un pensiero politico che condiziona l’arte che si fa

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E’ andata in scena l’ “Antologia di Spoon River” di Edgar Lee Masters, una raccolta di versi pubblicati tra il 1914 e il 1915 negli Stati Uniti. Ogni poesia, scritta in forma di epitaffio, racconta in prima persona la vita dei defunti che sono sepolti nel cimitero dell’immaginario paesino di Spoon River. I personaggi fanno un bilancio della propria vita. Subito si nota come siano accomunati dagli eterni dilemmi dell’esistenza, dalla disperazione per amori perduti.
Un’umanità che soffre perché condizionata da una società di provincia bigotta che segue regole ferree e in cui non c’è spazio neanche per sognare una possibile libertà.
Al provino per entrare in accademia ho portato una poesia tratta proprio da questo libro, la poesia dedicata a George Gray. Sono rimasta immediatamente colpita dai suoi versi che contengono il tema centrale dell’uomo: trovare un senso alla propria vita.

Molte volte ho studiato
la lapide che mi hanno scolpito:
una barca con vele ammainate, in un porto.
In realtà non è questa la mia destinazione
ma la mia vita.
Perché l’amore mi si offrì e io mi ritrassi dal suo inganno;
il dolore bussò alla mia porta, e io ebbi paura;
l’ ambizione mi chiamò, ma io temetti gli imprevisti.
Malgrado tutto avevo fame di un significato nella vita.
E adesso so che bisogna alzare le vele
e prendere i venti del destino,
dovunque spingano la barca.
Dare un senso alla vita può condurre a follia,
ma una vita senza senso è la tortura
dell’inquietudine e del vano desiderio.
È una barca che anela al mare eppure lo teme.

In queste parole, la cui traduzione è di Fernanda Pivano, sentiamo la voce di chi disperatamente vuole vivere, ma ne prende consapevolezza solo quando si trova nell’aldilà. Il marinaio George Gray Invita fortemente a vivere la vita, nei suoi piaceri e nelle sue sofferenze, a non lasciarsi intrappolare dalla paura. Ho sentito che era la poesia che rispecchiava il momento della vita che stavo vivendo e che poteva essere finalmente l’occasione di alzare le vele e prendere i venti del destino dovunque spingano la barca.
Mi ha fatto effetto perciò sapere, a distanza di un anno e mezzo, che avremmo portato in scena quest’opera.
Giorgia ci ha guidati nella scelta del personaggio che abbiamo interpretato. All’inizio siamo partiti da un lavoro individuale durante il quale ognuno di noi ha studiato la propria poesia facendo un’analisi del testo.

Siamo poi passati a uno studio fisico e gestuale sul palco. Ci è stato lasciato molto spazio per coordinarci e pensare anche noi a una possibile regia partendo da un’idea della docente.
Per la prima volta abbiamo avuto anche l’occasione di confrontarci con la costumista Eleonora Bruno, attiva in campo teatrale, cinematografico e televisivo.
Sono stati incontri particolarmente stimolanti in cui ognuno ha immaginato come vestire l’anima del personaggio che avrebbe interpretato. Eleonora è stata di grande impatto per noi.  Attraverso i suoi racconti professionali e i suoi disegni ci ha trasportati in vari mondi fatti di colori, tessuti, accessori all’interno di un immaginario atelier che ha preso vita nella nostra aula.
Ci ha dato il compito di disegnare il costume del personaggio di un nostro compagno. E’ stato un modo per rendere concreto il modo in cui noi vediamo gli altri e il modo in cui gli altri ci vedono.
L’obiettivo era anche quello del lavoro di squadra, come in scena anche fuori dal palco si sta insieme, solo così si è più forti e si lavora meglio.
Non solo l’attore si immedesima nel personaggio a cui dà vita, ma lo stesso lo fa il costumista. Il costume di scena è quindi partorito da più menti che collaborano e si confrontano e dal manichino ci si sposta all’attore che gli dà corpo, voce e fa uscire la sua anima.
Il costume fa mutare il modo in cui cammini, come usi la voce, ti dà una postura diversa. Porta ad aderire alla storia che si racconta. E’ stato messo in scena anche il risveglio, sotto forma di ballo, dei defunti di SpoonRiver prima che ritornino al loro sonno perpetuo.
Ringraziamo il docente Daniele Pilli

“…parlano di indecisione.
Ma Amleto
non è indeciso.
E’ disobbediente.
Gli chiedono vendetta
Lui chiede senso.
Gli chiedono velocità.
Lui introduce
il dubbio.
E il dubbio
inceppa la macchina.
Perché il mondo
ama le macchine veloci.
Risposte veloci.
Nemici veloci.
Guerre veloci.
Amleto no.
Amleto
si ferma.
Guarda il mondo.
E chiede:
che cosa significa
essere.”

Con queste parole l’attrice e insegnante Giorgia Trasselli ci ha dato il suo in bocca al lupo per il nostro percorso artistico. E noi la ringraziamo per averci accompagnato in questo viaggio!

– R II anno

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E invece ecco che sono arrivati i docenti, a ricordarci che non è finita qua. Che c’è ancora tantissima strada da fare, che non c’è nulla che con il lavoro non si possa migliorare, che la fine di questo percorso sarà solo l’inizio di un altro ancora più grande, che sapremo affrontare grazie alle forti basi che abbiamo costruito qui, grazie alla nostra identità, ora rafforzata e più consapevole. Questo è un esempio delle riflessioni che ci è capitato di buttare giù dopo alcune lezioni: “Permeare. È la parola che più ho avvertito in me e che mi ha spinto a cercarne il significato: così mi viene suggerito che si può leggere anche come “attraversare un corpo e diffondervisi dentro” o anche, letteralmente, come un “passare attraverso”. Ho visto, figurativamente, questa parola come il primo mattone per costruire la mia identità attoriale e la mia personalità scenica. E, in secondo luogo, come un modo per ancorare il personaggio, incontrare la sua anima e imparare, con umiltà, l’abilità del rispondere del personaggio, perché come è stato detto durante la lezione, la recitazione è responsabilità. E il corpo, in questo senso, rappresenta la relazione tra il personaggio, lo spazio, gli altri, le emozioni e la propria emotività. “

Quest’anno ci stiamo mettendo più che mai alla prova. Abbiamo lavorato su testi classici con alte temperature emotive con Alessandra Schiavoni, su una commedia russa con Mariagrazia Pompei e su un testo contemporaneo con Gianluigi Fogacci.

Tutti questi lavori si sono conclusi con delle Prove Aperte. Questo penso che sia stato fondamentale perché ci ha permesso di entrare ancora di più in una dimensione professionale e di confrontarci con un pubblico. Ci siamo dunque dovuti occupare delle opere a 360 gradi, lavorando sui costumi, la scenografia, le luci ecc. I docenti stanno assumendo un pò la funzione di registi, lasciandoci la libertà e la responsabilità di sperimentare, al fine di creare attori propositivi e autonomi.

Tramite queste prove stiamo scoprendo l’importanza della collaborazione del gruppo, capendo ora più che mai che il teatro si fa insieme.

Abbiamo appena scoperto il testo che porteremo al saggio finale e sono davvero contenta e fiduciosa.

È bello vedere quanto tutti siamo cresciuti in questi tre anni e che continuiamo a farlo ogni giorno.

Credo che questi ultimi mesi, anzi quest’ultima settimana in particolare, soprattutto dopo l’ultima prova aperta, segni proprio un momento di passaggio tra l’inizio dell’anno, dedicato prettamente alla formazione e il periodo attuale in cui ci stiamo addentrando sempre di più nella preparazione del saggio.

Certo è inevitabile che giunti a questo punto si cominci ad avvertire un po’ di pressione nell’aria per la fine dell’anno accademico e quello che ci aspetterà una volta usciti da qui.  Questo da un lato mi crea un po’ d’ansia, perché so che devo riuscire a sfruttare quel poco tempo che rimane al massimo e assorbire il più possibile dagli insegnanti e dal lavoro che svolgiamo con loro, quindi anche per questo è importante arrivare ogni giorno preparati e aggiungere qualcosa in più a quello che si è fatto il giorno prima senza ripartire ogni volta da capo.

Dall’altro lato invece, penso che il poco tempo a disposizione mi spinga tanto a volermi mettere in gioco, a sbagliare, provare e sperimentare sempre di più, anche perché credo che quello che stiamo vivendo attualmente all’interno della scuola sia il momento migliore per provare a farlo.

Nonostante ciò comunque il mio obiettivo rimane quello di “occuparmi” piuttosto che di “preoccuparmi” di quello che devo e che voglio fare, cercando di crescere ancora e acquisire altre competenze, arricchire il mio bagaglio attoriale e superare ancora alcuni limiti e insicurezze.

Questo terzo anno sta passando molto più velocemente del previsto, cosa che non mi aspettavo sinceramente e che mi spaventa in parte, ma sono pronta per mettermi alla prova nello spettacolo finale. Finora abbiamo affrontato scene e testi nuovi e complicati senza arrenderci mai e lavorando sempre al massimo. Sento di aver appreso tanto in questi anni, sia dai docenti che dal gruppo e mi dispiacerà lasciare questo mondo che per me era una seconda famiglia ormai, ma è giusto che ognuno prenda la propria strada, e magari in futuro queste strade si incroceranno di nuovo. Dopo tutto questo tempo sento di essere pronta a sperimentare nei primi lavori continuando a studiare e apprendere, cosa che non si finisce mai di fare; custodirò tutto ciò che ho imparato per diventare la versione migliore di me stessa come attrice.

Il mio pensiero va al primo giorno di accademia del mio terzo anno.

Ricordo una delle prime lezioni con Giampiero: il giorno in cui ho capito davvero la bellezza di fare l’attrice e il forte investimento fisico che comporta stare sul palco e indossare i panni di qualcuno altro da te. Ho sentito il mio corpo finalmente libero, pronto a buttarsi nel vuoto del “qui e ora”.

Il primo stimolo è arrivato quando Giampiero mi ha fatto ripetere il monologo che avevo presentato in dialetto. Questo mi ha portato a scoprire nuovi significati e nuove sfumature nella vocalità.

Il punto di svolta è arrivato, però, quando mi è stato suggerito di cambiare corpo e respiro, attivando una fantasia: immaginare di essere una persona trans. Prima di iniziare a parlare, avrei dovuto ballare su una musica a mio piacimento, capace di darmi la giusta temperatura per partire.

Tutto questo mi ha permesso di sprigionare una forte energia emotiva e di trasformare il mio modo di muovermi e di esprimermi.

Ecco, uno degli obiettivi di questo mio ultimo anno è sperimentare e trovare le strade che possano portarmi ad avere “il controllo nel massimo dell’abbandono”.

“Non meno di così”: una frase che ci è stata ripetuta spesso nell’ultimo anno e che credo sintetizzi al meglio come abbiamo imparato a vivere il nostro percorso in accademia da qualche tempo. Durante il secondo anno abbiamo raggiunto un equilibrio e una fiducia come gruppo che proprio durante la corsa verso la fine non può venire meno. Forse non dovremmo definirla “corsa” ma “cammino” e probabilmente neanche la parola “fine” è la più giusta in quanto è proprio fuori da qui che incontreremo le grandi salite. La paura che mi aspettavo di percepire nell’aria durante gli ultimi mesi, però, ha, invece, lasciato posto ad una grande fame di non sprecare neanche un attimo e prendersi tutto il possibile prima di chiudere il nostro primo bagaglio. E’ una grande emozione vivere i momenti che precedono uno spettacolo come le letture dei copioni, la scelta dei costumi di scena, le discussioni sulla scenografia, la divisione dei compiti e il “merda merda merda” con delle persone che fino a tre anni fa erano solo degli estranei e adesso sono parte costante della nostra quotidianità. Ci siamo visti cambiare, maturare come persone e come attori, perciò, nonostante ciò che accadrà dopo, abbiamo condiviso un tassello fondamentale della nostra esperienza di vita.

Fondamenta non mi ha insegnato cosa fare per essere un buon attore; mi ha ricordato ogni giorno come ritrovare il piacere di stare in scena, come fidarmi del mio corpo per trovare la verità, quanto sia importante compromettersi per esplorare veramente un “altro da sé”, quanto sia bello sbagliare perché diversamente non scopriremmo niente di nuovo, di accogliere ciò che non ci aspettiamo,di stare nel qui e ora e di non prenderci troppo sul serio.

Grazie Fondamenta.

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Il secondo anno di formazione mi fa sentire come se davanti a me ci fosse un immenso spazio all’interno del quale può avvenire qualsiasi cosa. Questa sensazione di vuoto non mi spaventa, è solo un vuoto apparente, che invita ad essere riempito con tutta la creatività che l’attore possiede. Il primo anno insegna le basi relative alla relazione scenica, all’utilizzo della voce e del corpo. Da qui si ha la possibilità di andare più a fondo: avendo la tecnica come struttura fondante, possiamo stare in scena e vedere cosa accade. Questo è l’anno in cui si lavora sul personaggio. E’ il momento di “mettersi da parte” e accogliere la vita di chi interpretiamo. L’essere umano è dotato di un corpo e di una voce. L’attore può trasformare questi due elementi in infinite possibilità, combinandoli tra loro. Penso che non ci sia cosa più affascinante e stimolante. Ma da dove si comincia?

Quando mi approccio a una scena comincio dal testo facendo un lavoro tecnico: capisco il senso della frase, faccio la memoria attraverso un lavoro di articolazione e dizione, e proseguo con la ripetizione delle frasi attraverso ritmi diversi. Questo metodo mi serve ad allenare la bocca e tutti i muscoli facciali per pronunciare correttamente ogni parola che compone il testo. Bisogna avere una memoria talmente perfetta da arrivare a “dimenticarsi” del testo. Ora viene la parte divertente, ci si trova davanti a quell’immenso spazio di cui parlavo prima.

Verso la fine dello scorso anno abbiamo lavorato a Il gabbiano di Cechov, sotto la direzione di Giampiero Rappa. Abbiamo fatto la lettura a tavolino dell’intero testo, analizzato le varie scene, le ambientazioni, le dinamiche tra i personaggi. Sono rimasta affascinata da un lavoro svolto da due miei compagni che hanno interpretato il dialogo tra Nina e Kostja, nella scena del IV atto. L’hanno fatta per la prima volta portando una loro ipotesi, senza una regia stabilita, con sole due indicazioni da parte del docente: Nina doveva muoversi come un uccello impazzito, Kostja non doveva mai staccare il suo sguardo da lei. Il testo ha preso vita, tutto era sentito, autentico e necessario. E’ stata una grande prova attoriale, e non è stato facile dopo salire sul palco data la temperatura che i miei compagni avevano lasciato.

Personalmente amo improvvisare, mi diverte, mi fa sentire presente a me stessa. Un esercizio che ha a che fare con l’improvvisazione è stato fatto l’ultima lezione del primo anno, sempre rispetto a Il gabbiano. Partivamo tutti sdraiati a terra e dovevamo sentire il nostro respiro ed il nostro corpo. Poi ci è stato chiesto di tramutare il nostro respiro personale nel respiro del personaggio e di alzarci e muoverci da personaggio. Senza l’utilizzo della parola, con una musica classica in sottofondo, seguivamo le direttive che ci dava Giampiero in una piccola messa in scena corporea del testo affrontato, terminando con alcune battute dette a voce da coloro che avevano raggiunto una determinata temperatura interna. Il tutto è durato più di un’ora e non avrei voluto sdraiarmi di nuovo e riprendere a respirare come Rebecca… avrei desiderato continuare a vestire i panni di Arkadina e abbandonarmi ancora a lei per un po’.

Quando interpreto un personaggio per me sono fondamentali i dettagli. Se ho pensato a un elemento, per esempio al rossetto, devo provare la scena con il rossetto, mi aiuta, mi fa sentire più lontana da me e più vicina a chi interpreto. Più aderisco nell’estetica al mio personaggio più mi addentro in esso. Se recito un monologo vestita in maniera neutra è diverso da quando lo recito “in costume”, sento il mio corpo che cambia, che prova ad aderire ad un’altra forma.

Un momento significativo del mio percorso fino ad oggi è stato a metà del primo anno. Interpretavo il monologo di Clarence, tratto dall’opera Riccardo III di Shakespeare dopo che si risveglia dall’incubo premonitore, con la docente Alessandra Schiavoni. Era una prima fase di studio. Inizio la scena ed entro nel pallone… Non ricordavo le battute, avevo dormito poco e male quella notte, per situazioni mie personali, e ho iniziato a piangere. Non volevo scendere dal palco, volevo continuare, addentrarmi in quello stato e vedere dove mi avrebbe portato. La docente mi ha diretta benissimo, ha capito la situazione e mi ha invitata a partire dallo stato in cui mi trovavo. Una mia compagna mi ha fatto da suggeritrice e frase dopo frase ripetevo il testo, aggrappandomi ad ogni parola come se uscisse per la prima volta da me. Ero in balia delle mie emozioni e del mio “non sapere” dove andare, ma sentivo che il tutto assumeva un senso. E’ stata una sensazione unica. Ciò che voglio imparare a fare è riuscire a ripetere quella situazione attraverso la tecnica e l’esercizio costante. Sento di essere un’attrice eclettica che ha bisogno di sperimentare in continuazione e di scoprirsi attraverso la relazione con l’altro. Non si è mai soli in scena, anche quando si fa un monologo c’è un pubblico con una determinata energia che ascolta, che respira.

Vediamo insieme alcuni pensieri degli allievi e delle allieve del II anno rispetto a Il lavoro sul personaggio : arrivare alla quadra di un personaggio non è affatto semplice. Mi dà l’idea di essere come un puzzle: tanti pezzi piccoli a volte indistinguibili, che all’inizio non riesci a capire dove mettere. Poi completi un blocco, poi un altro, ne giri uno in un certo modo, provi a incastrarne due e vedi che non c’è modo di farli andare insieme e così via. Sperimenti, provi e riprovi finché non inizia ad avere un po’ più di senso, finché non hai davanti la figura finita. Sara aggiunge che è fondamentale sapere l’obiettivo del personaggio, se si perde l’obiettivo la scena si annulla. L’obiettivo devo tenerlo a mente dall’inizio alla fine. Promemoria: non devo giudicare il mio personaggio.

Marisol dichiara: mi piace molto dare interpretazioni personali: cerco di mettermi nei panni del personaggio e penso: “Se fosse capitato a me, come avrei reagito? Che cosa avrei fatto al suo posto?”. Lorenzo afferma: bisogna cercare di capire il personaggio, mettendo in conto che lui è diverso da me. Studiare un personaggio vuol dire entrare in relazione con lui ancor prima di relazionarsi con gli altri in scena. Giorgia crede che la sfida più grande sia cogliere le sfumature, proprio perché i personaggi sono tridimensionali e hanno varie sfaccettature: è importante non trascurarle o giudicarle, ma accoglierle.

Alessandro riporta che con la docente Giorgia Trasselli stanno lavorando all’Antologia di Spoon River scegliendo un personaggio e abbinando un animale con caratteristiche simili al suo carattere. Luca G. per lo stesso lavoro sul reverendo Wiley ha fatto ricerche sulla sua figura e note biografiche. Giulia sottolinea l’importanza di osservare la gente, come si muove o parla. Azzurra ricorda il lavoro con Jacopo Bicocchi nel rappresentare ciò che trasmetteva un quadro, lavorando sulla ricerca della fisicità. Luca S. definisce il personaggio come una persona reale con caratteristiche fisiche, pregi, difetti e un obiettivo. Vincenzo nota che maggiore è la confidenza con il corpo, più facilmente si esplorano le zone emotive. Pier ha affrontato gli esercizi pensando alla voce, alla camminata, al vestiario e a piccoli vizi.

Nicole, lavorando su Emma in Tradimenti di Pinter con Giampiero Rappa, ha scritto tutta la storia e le caratteristiche della protagonista sul suo quaderno. Davide suggerisce di partire da un gesto, un’abitudine o un hobby per capire come il personaggio approcci la vita quotidiana. Infine, Aria conclude che il lavoro sul personaggio non è mai fisso né ripetibile allo stesso modo, ma è un processo vivo che richiede ascolto, immaginazione e onestà.

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Fondamenta è una scuola di recitazione, e recitare è semplice. Peccato non sia anche facile. Diventare attori richiede studio, dedizione, pazienza e, soprattutto, molto coraggio. Recitare non è un atto convenzionale: perché funzioni è necessario che sia autentico. E l’autenticità nasce dalla capacità di offrire la propria unicità, che può esprimersi solo se si ha il coraggio di conoscersi fino in fondo. Ci vuole generosità. «Voi ne avete?». In classe c’è chi sorride, chi annuisce, qualcuno osa addirittura rispondere: «Sì!». La domanda è retorica, gli sguardi rivelano tutto: questi pazzi hanno un sogno.

Dodici allievi, sette ragazze e cinque ragazzi, da tutta Italia. Diciotto anni la più giovane («quasi diciannove!»), ventisette il più grande («Cosa trenta?! Ventisette!»). Si ammazzeranno. Eppure, in aula si respira un clima di rispetto e complicità. Serietà ma anche leggerezza, voglia di formarsi divertendosi. La classe, in pochi mesi, ha già assunto una propria identità. Il tempo trascorso insieme ha portato ognuno ad aprirsi all’altro e, così, ogni giorno può riservare una scoperta. Ascoltarsi, avere voglia di conoscersi al punto da sperare che la lezione non finisca o che possa continuare fuori dall’aula. Tutti hanno una storia da raccontare: una vita passata, una relazione finita, una speranza. Ed è questo che lega, che rende ognuno la risorsa dell’altro. Che tiene viva una classe di ragazzi che ogni giorno condividono del tempo insieme e che, ogni giorno della settimana, vogliono sperimentare, sbagliare e crescere.

Uno di loro tempo fa mi disse: «Io credo che l’amore sia il sentimento della ripetizione, quell’energia che ti dà il piacere di agire sempre per lo stesso obiettivo senza mai percepirlo come monotono». Non a caso la recitazione è l’arte della ripetizione. Ora, provate a immaginare questo saggio ragazzo, alto e possente, che “frusta” con i suoi ricci capelli una ragazza durante un’improvvisazione di movimento scenico, muovendo su e giù la testa come un frisone dinanzi a una giumenta in calore: capirete quanto sia destabilizzante e unico fare lezione al primo anno di Fondamenta.

«Io sento di volere solo questo, di essere destinata a diventare un’attrice. Non ho mai pensato a una seconda opzione, a qualcosa di più sicuro, perché ho sempre voluto questo». C’è chi non ha dubbi, e chi invece ora si sta concedendo una seconda occasione. Il viaggio è appena iniziato: «siamo ancora nel pre-creativo», direbbe qualcuno. Al momento stiamo affrontando la necessità di “disimparare”: imparare a liberarsi da comportamenti che, inconsciamente, ci rendono prigionieri e che fanno parte delle nostre difese impulsive. Liberarsi e lasciare spazio ai propri impulsi («tipo jaaazz»). E non è facile, per nessuno: “Riguardo alle reazioni in scena, ho come la sensazione di farle piccole.” “Perché ti senti piccola. Ma non ti preoccupare, ci lavoreremo”.

«Non so se è chiara ‘sta robbba, so solo che mi piace. Quei visi sconosciuti del primo giorno sono diventati parte della mia quotidianità. «Ma ora come stai?» «Ora sto bene.» «E ti senti bella?» «Da quando sono qui, sì.»

Buon viaggio a tutti. – I anno

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Recitare per me significa stare all’interno di una caccia al tesoro infinita, o perlomeno che dura fino alla morte. Ma una caccia verso cosa?

Se pensiamo all’etimologia della parola recitare, si apre una porta verso un’altra dimensione. Dal latino re-, che significa intensivo o ripetitivo, e –citare, che sta per chiamare o evocare.

Il teatro nasce nell’Antica Grecia come arte sacra. Oggi, nel XXI secolo, ci troviamo incastrati in una situazione stagnante in cui l’aspirazione al sacro è stata annientata.

L’uomo contemporaneo è sempre più anestetizzato da una condizione di alienazione, che crea un distacco netto tra natura e uomo e tra uomo e uomo.

La salvezza, per me, risiede nella continua ricerca che la recitazione necessita di avere, in cui la separazione sopracitata non può esistere.

Quando studio testi di qualche secolo fa, come quelli Shakespeariani o, più recenti, quelli Cechoviani, mi sento in uno stato di presenza, di esistenza attiva.

Gli ultimi due incontri avvenuti in Accademia, con l’attore e regista Filippo Dini e con il critico teatrale e giornalista Marcantonio Lucidi, hanno avuto come tema centrale l’opera Il gabbiano di Cechov, affrontata alla fine del primo anno accademico con il docente Giampiero Rappa.

Senza Cechov non esiste la modernità teatrale. Senza Cechov, Beckett non può scrivere – in Aspettando Godot – : “Non succede nulla, non viene nessuno, nessuno se ne va”.

E’ un’opera rivoluzionaria, che ha stravolto il modo di concepire l’arte teatrale. Dini, nell’affrontare Cechov, ha voluto portare in scena lo sterminio delle nuove generazioni che soccombono a quelle vecchie.

Che mondo lasciano le generazioni passate a quelle nuove?

Ci sono sensi di responsabilità mancati, speranze che rimangono tali e non si concretizzano, un perenne senso di incomunicabilità che lentamente strangola il cuore dei personaggi.

Credo che ad ogni studente di recitazione, quando si approccia a un testo così denso di anime intrappolate in una condizione di stasi, si smuova qualcosa dentro.

Non si può rimanere indifferenti alle parole che quei personaggi pronunciano.

E, nonostante siano state scritte più di un secolo fa, le battute sono dannatamente contemporanee.

Un grande maestro come Cechov, non poteva che citarne un altro come Shakespeare, se pensiamo ai riferimenti amletici che troviamo ne Il gabbiano.

La figura simbolica del lago, che soffoca i personaggi e prosciuga le loro anime, è simbolo della noia e del decadimento esistenziale.La libertà a cui tanto aspira Nina diverrà la sua stessa condanna: quando andrà via dalla campagna, per intraprendere la carriera di attrice e la

relazione con Trigorin, il suo sogno verrà frantumato.

Ogni personaggio desidera qualcosa che non può avere, che a volte riesce a sfiorare, ma che poi si disintegra.

Ogni personaggio è condannato a una situazione di immobilità, sia chi aspira a una carriera artistica che a un amore impossibile.

Provo un amore sempre più profondo per Cechov, come una figlia può amare un padre. Ci sono scrittori che riescono ad essermi di conforto, anche se appartengono a epoche diverse dalla mia.

Nelle sue opere, Cechov, non si preoccupa di dare risposte ai grandi quesiti della vita, ma si “limita”, e in questo consiste la sua grandezza, a descrivere piccoli momenti quotidiani, che già di per sé stessi racchiudono l’immensità della vita.

Dini e Lucidi, quando parlavano di Cechov, bruciavano di un fuoco interiore che rimanda a qualcosa di sacro.

Filippo Dini, con il tormento nello sguardo, ha parlato di come ha concepito il testo, di come si è addentrato nello studio dei personaggi, dando vita a un Trigorin che forse nessuno si aspettava di veder rappresentato: buffo, con la balbuzie, portando una riscrittura del testo che sottolinea l’ossessione più profonda del personaggio, ovvero la scrittura.

Il Trigorin-Dini eccelle nella scrittura, ma fatica a esprimersi nel parlato.

La recitazione può aprire infiniti spazi creativi, in cui si può giocare a indossare un abito in modi che neanche immaginiamo, uno stesso abito che si accende di colori diversi a seconda di come parliamo e ci muoviamo in scena.

Marcantonio Lucidi è maestro dell’arte oratoria.

Le sue parole sono dotate di un forte magnetismo.

Ha presentato inizialmente la figura di Péter Szondi, storico ungherese delle letterature comparate, che ha scritto “Teorie del dramma moderno”, sottolineando la centralità di Cechov.

Dopo una parte teorica, di spiegazione, Lucidi ha passato la palla a noi allievi, facendoci parlare dello spettacolo di Filippo Dini, da lui recensito.

L’aspetto significativo è stato che, per tutto l’incontro, non abbiamo parlato dello spettacolo di Dini, ma della percezione che ciascuno di noi ha avuto dello spettacolo. Lucidi ci spinge ad argomentare, a spiegare con il cuore e la ragione ciò che raccontiamo, che sia cinema o teatro.

Un attore non è solo colui che dice le battute scritte da un autore, ma le rende proprie vestendole di anima e istinto.

Il minimo comune denominatore dei suoi incontri è il dubitare.L’attore deve porsi infinite domande, dubitare sempre, di tutto e di tutti.

Di questo si nutre la ricerca continua verso qualcosa che, per noi esseri umani, è intangibile.

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Tante novità in arrivo con Il Diario di Bordo di Fondamenta

Lunedì 19 Gennaio si terrà l’incontro con Filippo Dini, attore e regista attualmente inscena al Teatro Argentina di Roma con il suo spettacolo “Il gabbiano”.

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