E’ andata in scena l’ “Antologia di Spoon River” di Edgar Lee Masters, una raccolta di versi pubblicati tra il 1914 e il 1915 negli Stati Uniti. Ogni poesia, scritta in forma di epitaffio, racconta in prima persona la vita dei defunti che sono sepolti nel cimitero dell’immaginario paesino di Spoon River. I personaggi fanno un bilancio della propria vita. Subito si nota come siano accomunati dagli eterni dilemmi dell’esistenza, dalla disperazione per amori perduti.
Un’umanità che soffre perché condizionata da una società di provincia bigotta che segue regole ferree e in cui non c’è spazio neanche per sognare una possibile libertà.
Al provino per entrare in accademia ho portato una poesia tratta proprio da questo libro, la poesia dedicata a George Gray. Sono rimasta immediatamente colpita dai suoi versi che contengono il tema centrale dell’uomo: trovare un senso alla propria vita.

Molte volte ho studiato
la lapide che mi hanno scolpito:
una barca con vele ammainate, in un porto.
In realtà non è questa la mia destinazione
ma la mia vita.
Perché l’amore mi si offrì e io mi ritrassi dal suo inganno;
il dolore bussò alla mia porta, e io ebbi paura;
l’ ambizione mi chiamò, ma io temetti gli imprevisti.
Malgrado tutto avevo fame di un significato nella vita.
E adesso so che bisogna alzare le vele
e prendere i venti del destino,
dovunque spingano la barca.
Dare un senso alla vita può condurre a follia,
ma una vita senza senso è la tortura
dell’inquietudine e del vano desiderio.
È una barca che anela al mare eppure lo teme.

In queste parole, la cui traduzione è di Fernanda Pivano, sentiamo la voce di chi disperatamente vuole vivere, ma ne prende consapevolezza solo quando si trova nell’aldilà. Il marinaio George Gray Invita fortemente a vivere la vita, nei suoi piaceri e nelle sue sofferenze, a non lasciarsi intrappolare dalla paura. Ho sentito che era la poesia che rispecchiava il momento della vita che stavo vivendo e che poteva essere finalmente l’occasione di alzare le vele e prendere i venti del destino dovunque spingano la barca.
Mi ha fatto effetto perciò sapere, a distanza di un anno e mezzo, che avremmo portato in scena quest’opera.
Giorgia ci ha guidati nella scelta del personaggio che abbiamo interpretato. All’inizio siamo partiti da un lavoro individuale durante il quale ognuno di noi ha studiato la propria poesia facendo un’analisi del testo.

Siamo poi passati a uno studio fisico e gestuale sul palco. Ci è stato lasciato molto spazio per coordinarci e pensare anche noi a una possibile regia partendo da un’idea della docente.
Per la prima volta abbiamo avuto anche l’occasione di confrontarci con la costumista Eleonora Bruno, attiva in campo teatrale, cinematografico e televisivo.
Sono stati incontri particolarmente stimolanti in cui ognuno ha immaginato come vestire l’anima del personaggio che avrebbe interpretato. Eleonora è stata di grande impatto per noi.  Attraverso i suoi racconti professionali e i suoi disegni ci ha trasportati in vari mondi fatti di colori, tessuti, accessori all’interno di un immaginario atelier che ha preso vita nella nostra aula.
Ci ha dato il compito di disegnare il costume del personaggio di un nostro compagno. E’ stato un modo per rendere concreto il modo in cui noi vediamo gli altri e il modo in cui gli altri ci vedono.
L’obiettivo era anche quello del lavoro di squadra, come in scena anche fuori dal palco si sta insieme, solo così si è più forti e si lavora meglio.
Non solo l’attore si immedesima nel personaggio a cui dà vita, ma lo stesso lo fa il costumista. Il costume di scena è quindi partorito da più menti che collaborano e si confrontano e dal manichino ci si sposta all’attore che gli dà corpo, voce e fa uscire la sua anima.
Il costume fa mutare il modo in cui cammini, come usi la voce, ti dà una postura diversa. Porta ad aderire alla storia che si racconta. E’ stato messo in scena anche il risveglio, sotto forma di ballo, dei defunti di SpoonRiver prima che ritornino al loro sonno perpetuo.
Ringraziamo il docente Daniele Pilli

“…parlano di indecisione.
Ma Amleto
non è indeciso.
E’ disobbediente.
Gli chiedono vendetta
Lui chiede senso.
Gli chiedono velocità.
Lui introduce
il dubbio.
E il dubbio
inceppa la macchina.
Perché il mondo
ama le macchine veloci.
Risposte veloci.
Nemici veloci.
Guerre veloci.
Amleto no.
Amleto
si ferma.
Guarda il mondo.
E chiede:
che cosa significa
essere.”

Con queste parole l’attrice e insegnante Giorgia Trasselli ci ha dato il suo in bocca al lupo per il nostro percorso artistico. E noi la ringraziamo per averci accompagnato in questo viaggio!

– R II anno

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E invece ecco che sono arrivati i docenti, a ricordarci che non è finita qua. Che c’è ancora tantissima strada da fare, che non c’è nulla che con il lavoro non si possa migliorare, che la fine di questo percorso sarà solo l’inizio di un altro ancora più grande, che sapremo affrontare grazie alle forti basi che abbiamo costruito qui, grazie alla nostra identità, ora rafforzata e più consapevole. Questo è un esempio delle riflessioni che ci è capitato di buttare giù dopo alcune lezioni: “Permeare. È la parola che più ho avvertito in me e che mi ha spinto a cercarne il significato: così mi viene suggerito che si può leggere anche come “attraversare un corpo e diffondervisi dentro” o anche, letteralmente, come un “passare attraverso”. Ho visto, figurativamente, questa parola come il primo mattone per costruire la mia identità attoriale e la mia personalità scenica. E, in secondo luogo, come un modo per ancorare il personaggio, incontrare la sua anima e imparare, con umiltà, l’abilità del rispondere del personaggio, perché come è stato detto durante la lezione, la recitazione è responsabilità. E il corpo, in questo senso, rappresenta la relazione tra il personaggio, lo spazio, gli altri, le emozioni e la propria emotività. “

Quest’anno ci stiamo mettendo più che mai alla prova. Abbiamo lavorato su testi classici con alte temperature emotive con Alessandra Schiavoni, su una commedia russa con Mariagrazia Pompei e su un testo contemporaneo con Gianluigi Fogacci.

Tutti questi lavori si sono conclusi con delle Prove Aperte. Questo penso che sia stato fondamentale perché ci ha permesso di entrare ancora di più in una dimensione professionale e di confrontarci con un pubblico. Ci siamo dunque dovuti occupare delle opere a 360 gradi, lavorando sui costumi, la scenografia, le luci ecc. I docenti stanno assumendo un pò la funzione di registi, lasciandoci la libertà e la responsabilità di sperimentare, al fine di creare attori propositivi e autonomi.

Tramite queste prove stiamo scoprendo l’importanza della collaborazione del gruppo, capendo ora più che mai che il teatro si fa insieme.

Abbiamo appena scoperto il testo che porteremo al saggio finale e sono davvero contenta e fiduciosa.

È bello vedere quanto tutti siamo cresciuti in questi tre anni e che continuiamo a farlo ogni giorno.

Credo che questi ultimi mesi, anzi quest’ultima settimana in particolare, soprattutto dopo l’ultima prova aperta, segni proprio un momento di passaggio tra l’inizio dell’anno, dedicato prettamente alla formazione e il periodo attuale in cui ci stiamo addentrando sempre di più nella preparazione del saggio.

Certo è inevitabile che giunti a questo punto si cominci ad avvertire un po’ di pressione nell’aria per la fine dell’anno accademico e quello che ci aspetterà una volta usciti da qui.  Questo da un lato mi crea un po’ d’ansia, perché so che devo riuscire a sfruttare quel poco tempo che rimane al massimo e assorbire il più possibile dagli insegnanti e dal lavoro che svolgiamo con loro, quindi anche per questo è importante arrivare ogni giorno preparati e aggiungere qualcosa in più a quello che si è fatto il giorno prima senza ripartire ogni volta da capo.

Dall’altro lato invece, penso che il poco tempo a disposizione mi spinga tanto a volermi mettere in gioco, a sbagliare, provare e sperimentare sempre di più, anche perché credo che quello che stiamo vivendo attualmente all’interno della scuola sia il momento migliore per provare a farlo.

Nonostante ciò comunque il mio obiettivo rimane quello di “occuparmi” piuttosto che di “preoccuparmi” di quello che devo e che voglio fare, cercando di crescere ancora e acquisire altre competenze, arricchire il mio bagaglio attoriale e superare ancora alcuni limiti e insicurezze.

Questo terzo anno sta passando molto più velocemente del previsto, cosa che non mi aspettavo sinceramente e che mi spaventa in parte, ma sono pronta per mettermi alla prova nello spettacolo finale. Finora abbiamo affrontato scene e testi nuovi e complicati senza arrenderci mai e lavorando sempre al massimo. Sento di aver appreso tanto in questi anni, sia dai docenti che dal gruppo e mi dispiacerà lasciare questo mondo che per me era una seconda famiglia ormai, ma è giusto che ognuno prenda la propria strada, e magari in futuro queste strade si incroceranno di nuovo. Dopo tutto questo tempo sento di essere pronta a sperimentare nei primi lavori continuando a studiare e apprendere, cosa che non si finisce mai di fare; custodirò tutto ciò che ho imparato per diventare la versione migliore di me stessa come attrice.

Il mio pensiero va al primo giorno di accademia del mio terzo anno.

Ricordo una delle prime lezioni con Giampiero: il giorno in cui ho capito davvero la bellezza di fare l’attrice e il forte investimento fisico che comporta stare sul palco e indossare i panni di qualcuno altro da te. Ho sentito il mio corpo finalmente libero, pronto a buttarsi nel vuoto del “qui e ora”.

Il primo stimolo è arrivato quando Giampiero mi ha fatto ripetere il monologo che avevo presentato in dialetto. Questo mi ha portato a scoprire nuovi significati e nuove sfumature nella vocalità.

Il punto di svolta è arrivato, però, quando mi è stato suggerito di cambiare corpo e respiro, attivando una fantasia: immaginare di essere una persona trans. Prima di iniziare a parlare, avrei dovuto ballare su una musica a mio piacimento, capace di darmi la giusta temperatura per partire.

Tutto questo mi ha permesso di sprigionare una forte energia emotiva e di trasformare il mio modo di muovermi e di esprimermi.

Ecco, uno degli obiettivi di questo mio ultimo anno è sperimentare e trovare le strade che possano portarmi ad avere “il controllo nel massimo dell’abbandono”.

“Non meno di così”: una frase che ci è stata ripetuta spesso nell’ultimo anno e che credo sintetizzi al meglio come abbiamo imparato a vivere il nostro percorso in accademia da qualche tempo. Durante il secondo anno abbiamo raggiunto un equilibrio e una fiducia come gruppo che proprio durante la corsa verso la fine non può venire meno. Forse non dovremmo definirla “corsa” ma “cammino” e probabilmente neanche la parola “fine” è la più giusta in quanto è proprio fuori da qui che incontreremo le grandi salite. La paura che mi aspettavo di percepire nell’aria durante gli ultimi mesi, però, ha, invece, lasciato posto ad una grande fame di non sprecare neanche un attimo e prendersi tutto il possibile prima di chiudere il nostro primo bagaglio. E’ una grande emozione vivere i momenti che precedono uno spettacolo come le letture dei copioni, la scelta dei costumi di scena, le discussioni sulla scenografia, la divisione dei compiti e il “merda merda merda” con delle persone che fino a tre anni fa erano solo degli estranei e adesso sono parte costante della nostra quotidianità. Ci siamo visti cambiare, maturare come persone e come attori, perciò, nonostante ciò che accadrà dopo, abbiamo condiviso un tassello fondamentale della nostra esperienza di vita.

Fondamenta non mi ha insegnato cosa fare per essere un buon attore; mi ha ricordato ogni giorno come ritrovare il piacere di stare in scena, come fidarmi del mio corpo per trovare la verità, quanto sia importante compromettersi per esplorare veramente un “altro da sé”, quanto sia bello sbagliare perché diversamente non scopriremmo niente di nuovo, di accogliere ciò che non ci aspettiamo,di stare nel qui e ora e di non prenderci troppo sul serio.

Grazie Fondamenta.

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Il secondo anno di formazione mi fa sentire come se davanti a me ci fosse un immenso spazio all’interno del quale può avvenire qualsiasi cosa. Questa sensazione di vuoto non mi spaventa, è solo un vuoto apparente, che invita ad essere riempito con tutta la creatività che l’attore possiede. Il primo anno insegna le basi relative alla relazione scenica, all’utilizzo della voce e del corpo. Da qui si ha la possibilità di andare più a fondo: avendo la tecnica come struttura fondante, possiamo stare in scena e vedere cosa accade. Questo è l’anno in cui si lavora sul personaggio. E’ il momento di “mettersi da parte” e accogliere la vita di chi interpretiamo. L’essere umano è dotato di un corpo e di una voce. L’attore può trasformare questi due elementi in infinite possibilità, combinandoli tra loro. Penso che non ci sia cosa più affascinante e stimolante. Ma da dove si comincia?

Quando mi approccio a una scena comincio dal testo facendo un lavoro tecnico: capisco il senso della frase, faccio la memoria attraverso un lavoro di articolazione e dizione, e proseguo con la ripetizione delle frasi attraverso ritmi diversi. Questo metodo mi serve ad allenare la bocca e tutti i muscoli facciali per pronunciare correttamente ogni parola che compone il testo. Bisogna avere una memoria talmente perfetta da arrivare a “dimenticarsi” del testo. Ora viene la parte divertente, ci si trova davanti a quell’immenso spazio di cui parlavo prima.

Verso la fine dello scorso anno abbiamo lavorato a Il gabbiano di Cechov, sotto la direzione di Giampiero Rappa. Abbiamo fatto la lettura a tavolino dell’intero testo, analizzato le varie scene, le ambientazioni, le dinamiche tra i personaggi. Sono rimasta affascinata da un lavoro svolto da due miei compagni che hanno interpretato il dialogo tra Nina e Kostja, nella scena del IV atto. L’hanno fatta per la prima volta portando una loro ipotesi, senza una regia stabilita, con sole due indicazioni da parte del docente: Nina doveva muoversi come un uccello impazzito, Kostja non doveva mai staccare il suo sguardo da lei. Il testo ha preso vita, tutto era sentito, autentico e necessario. E’ stata una grande prova attoriale, e non è stato facile dopo salire sul palco data la temperatura che i miei compagni avevano lasciato.

Personalmente amo improvvisare, mi diverte, mi fa sentire presente a me stessa. Un esercizio che ha a che fare con l’improvvisazione è stato fatto l’ultima lezione del primo anno, sempre rispetto a Il gabbiano. Partivamo tutti sdraiati a terra e dovevamo sentire il nostro respiro ed il nostro corpo. Poi ci è stato chiesto di tramutare il nostro respiro personale nel respiro del personaggio e di alzarci e muoverci da personaggio. Senza l’utilizzo della parola, con una musica classica in sottofondo, seguivamo le direttive che ci dava Giampiero in una piccola messa in scena corporea del testo affrontato, terminando con alcune battute dette a voce da coloro che avevano raggiunto una determinata temperatura interna. Il tutto è durato più di un’ora e non avrei voluto sdraiarmi di nuovo e riprendere a respirare come Rebecca… avrei desiderato continuare a vestire i panni di Arkadina e abbandonarmi ancora a lei per un po’.

Quando interpreto un personaggio per me sono fondamentali i dettagli. Se ho pensato a un elemento, per esempio al rossetto, devo provare la scena con il rossetto, mi aiuta, mi fa sentire più lontana da me e più vicina a chi interpreto. Più aderisco nell’estetica al mio personaggio più mi addentro in esso. Se recito un monologo vestita in maniera neutra è diverso da quando lo recito “in costume”, sento il mio corpo che cambia, che prova ad aderire ad un’altra forma.

Un momento significativo del mio percorso fino ad oggi è stato a metà del primo anno. Interpretavo il monologo di Clarence, tratto dall’opera Riccardo III di Shakespeare dopo che si risveglia dall’incubo premonitore, con la docente Alessandra Schiavoni. Era una prima fase di studio. Inizio la scena ed entro nel pallone… Non ricordavo le battute, avevo dormito poco e male quella notte, per situazioni mie personali, e ho iniziato a piangere. Non volevo scendere dal palco, volevo continuare, addentrarmi in quello stato e vedere dove mi avrebbe portato. La docente mi ha diretta benissimo, ha capito la situazione e mi ha invitata a partire dallo stato in cui mi trovavo. Una mia compagna mi ha fatto da suggeritrice e frase dopo frase ripetevo il testo, aggrappandomi ad ogni parola come se uscisse per la prima volta da me. Ero in balia delle mie emozioni e del mio “non sapere” dove andare, ma sentivo che il tutto assumeva un senso. E’ stata una sensazione unica. Ciò che voglio imparare a fare è riuscire a ripetere quella situazione attraverso la tecnica e l’esercizio costante. Sento di essere un’attrice eclettica che ha bisogno di sperimentare in continuazione e di scoprirsi attraverso la relazione con l’altro. Non si è mai soli in scena, anche quando si fa un monologo c’è un pubblico con una determinata energia che ascolta, che respira.

Vediamo insieme alcuni pensieri degli allievi e delle allieve del II anno rispetto a Il lavoro sul personaggio : arrivare alla quadra di un personaggio non è affatto semplice. Mi dà l’idea di essere come un puzzle: tanti pezzi piccoli a volte indistinguibili, che all’inizio non riesci a capire dove mettere. Poi completi un blocco, poi un altro, ne giri uno in un certo modo, provi a incastrarne due e vedi che non c’è modo di farli andare insieme e così via. Sperimenti, provi e riprovi finché non inizia ad avere un po’ più di senso, finché non hai davanti la figura finita. Sara aggiunge che è fondamentale sapere l’obiettivo del personaggio, se si perde l’obiettivo la scena si annulla. L’obiettivo devo tenerlo a mente dall’inizio alla fine. Promemoria: non devo giudicare il mio personaggio.

Marisol dichiara: mi piace molto dare interpretazioni personali: cerco di mettermi nei panni del personaggio e penso: “Se fosse capitato a me, come avrei reagito? Che cosa avrei fatto al suo posto?”. Lorenzo afferma: bisogna cercare di capire il personaggio, mettendo in conto che lui è diverso da me. Studiare un personaggio vuol dire entrare in relazione con lui ancor prima di relazionarsi con gli altri in scena. Giorgia crede che la sfida più grande sia cogliere le sfumature, proprio perché i personaggi sono tridimensionali e hanno varie sfaccettature: è importante non trascurarle o giudicarle, ma accoglierle.

Alessandro riporta che con la docente Giorgia Trasselli stanno lavorando all’Antologia di Spoon River scegliendo un personaggio e abbinando un animale con caratteristiche simili al suo carattere. Luca G. per lo stesso lavoro sul reverendo Wiley ha fatto ricerche sulla sua figura e note biografiche. Giulia sottolinea l’importanza di osservare la gente, come si muove o parla. Azzurra ricorda il lavoro con Jacopo Bicocchi nel rappresentare ciò che trasmetteva un quadro, lavorando sulla ricerca della fisicità. Luca S. definisce il personaggio come una persona reale con caratteristiche fisiche, pregi, difetti e un obiettivo. Vincenzo nota che maggiore è la confidenza con il corpo, più facilmente si esplorano le zone emotive. Pier ha affrontato gli esercizi pensando alla voce, alla camminata, al vestiario e a piccoli vizi.

Nicole, lavorando su Emma in Tradimenti di Pinter con Giampiero Rappa, ha scritto tutta la storia e le caratteristiche della protagonista sul suo quaderno. Davide suggerisce di partire da un gesto, un’abitudine o un hobby per capire come il personaggio approcci la vita quotidiana. Infine, Aria conclude che il lavoro sul personaggio non è mai fisso né ripetibile allo stesso modo, ma è un processo vivo che richiede ascolto, immaginazione e onestà.

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Fondamenta è una scuola di recitazione, e recitare è semplice. Peccato non sia anche facile. Diventare attori richiede studio, dedizione, pazienza e, soprattutto, molto coraggio. Recitare non è un atto convenzionale: perché funzioni è necessario che sia autentico. E l’autenticità nasce dalla capacità di offrire la propria unicità, che può esprimersi solo se si ha il coraggio di conoscersi fino in fondo. Ci vuole generosità. «Voi ne avete?». In classe c’è chi sorride, chi annuisce, qualcuno osa addirittura rispondere: «Sì!». La domanda è retorica, gli sguardi rivelano tutto: questi pazzi hanno un sogno.

Dodici allievi, sette ragazze e cinque ragazzi, da tutta Italia. Diciotto anni la più giovane («quasi diciannove!»), ventisette il più grande («Cosa trenta?! Ventisette!»). Si ammazzeranno. Eppure, in aula si respira un clima di rispetto e complicità. Serietà ma anche leggerezza, voglia di formarsi divertendosi. La classe, in pochi mesi, ha già assunto una propria identità. Il tempo trascorso insieme ha portato ognuno ad aprirsi all’altro e, così, ogni giorno può riservare una scoperta. Ascoltarsi, avere voglia di conoscersi al punto da sperare che la lezione non finisca o che possa continuare fuori dall’aula. Tutti hanno una storia da raccontare: una vita passata, una relazione finita, una speranza. Ed è questo che lega, che rende ognuno la risorsa dell’altro. Che tiene viva una classe di ragazzi che ogni giorno condividono del tempo insieme e che, ogni giorno della settimana, vogliono sperimentare, sbagliare e crescere.

Uno di loro tempo fa mi disse: «Io credo che l’amore sia il sentimento della ripetizione, quell’energia che ti dà il piacere di agire sempre per lo stesso obiettivo senza mai percepirlo come monotono». Non a caso la recitazione è l’arte della ripetizione. Ora, provate a immaginare questo saggio ragazzo, alto e possente, che “frusta” con i suoi ricci capelli una ragazza durante un’improvvisazione di movimento scenico, muovendo su e giù la testa come un frisone dinanzi a una giumenta in calore: capirete quanto sia destabilizzante e unico fare lezione al primo anno di Fondamenta.

«Io sento di volere solo questo, di essere destinata a diventare un’attrice. Non ho mai pensato a una seconda opzione, a qualcosa di più sicuro, perché ho sempre voluto questo». C’è chi non ha dubbi, e chi invece ora si sta concedendo una seconda occasione. Il viaggio è appena iniziato: «siamo ancora nel pre-creativo», direbbe qualcuno. Al momento stiamo affrontando la necessità di “disimparare”: imparare a liberarsi da comportamenti che, inconsciamente, ci rendono prigionieri e che fanno parte delle nostre difese impulsive. Liberarsi e lasciare spazio ai propri impulsi («tipo jaaazz»). E non è facile, per nessuno: “Riguardo alle reazioni in scena, ho come la sensazione di farle piccole.” “Perché ti senti piccola. Ma non ti preoccupare, ci lavoreremo”.

«Non so se è chiara ‘sta robbba, so solo che mi piace. Quei visi sconosciuti del primo giorno sono diventati parte della mia quotidianità. «Ma ora come stai?» «Ora sto bene.» «E ti senti bella?» «Da quando sono qui, sì.»

Buon viaggio a tutti. – I anno

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Recitare per me significa stare all’interno di una caccia al tesoro infinita, o perlomeno che dura fino alla morte. Ma una caccia verso cosa?

Se pensiamo all’etimologia della parola recitare, si apre una porta verso un’altra dimensione. Dal latino re-, che significa intensivo o ripetitivo, e –citare, che sta per chiamare o evocare.

Il teatro nasce nell’Antica Grecia come arte sacra. Oggi, nel XXI secolo, ci troviamo incastrati in una situazione stagnante in cui l’aspirazione al sacro è stata annientata.

L’uomo contemporaneo è sempre più anestetizzato da una condizione di alienazione, che crea un distacco netto tra natura e uomo e tra uomo e uomo.

La salvezza, per me, risiede nella continua ricerca che la recitazione necessita di avere, in cui la separazione sopracitata non può esistere.

Quando studio testi di qualche secolo fa, come quelli Shakespeariani o, più recenti, quelli Cechoviani, mi sento in uno stato di presenza, di esistenza attiva.

Gli ultimi due incontri avvenuti in Accademia, con l’attore e regista Filippo Dini e con il critico teatrale e giornalista Marcantonio Lucidi, hanno avuto come tema centrale l’opera Il gabbiano di Cechov, affrontata alla fine del primo anno accademico con il docente Giampiero Rappa.

Senza Cechov non esiste la modernità teatrale. Senza Cechov, Beckett non può scrivere – in Aspettando Godot – : “Non succede nulla, non viene nessuno, nessuno se ne va”.

E’ un’opera rivoluzionaria, che ha stravolto il modo di concepire l’arte teatrale. Dini, nell’affrontare Cechov, ha voluto portare in scena lo sterminio delle nuove generazioni che soccombono a quelle vecchie.

Che mondo lasciano le generazioni passate a quelle nuove?

Ci sono sensi di responsabilità mancati, speranze che rimangono tali e non si concretizzano, un perenne senso di incomunicabilità che lentamente strangola il cuore dei personaggi.

Credo che ad ogni studente di recitazione, quando si approccia a un testo così denso di anime intrappolate in una condizione di stasi, si smuova qualcosa dentro.

Non si può rimanere indifferenti alle parole che quei personaggi pronunciano.

E, nonostante siano state scritte più di un secolo fa, le battute sono dannatamente contemporanee.

Un grande maestro come Cechov, non poteva che citarne un altro come Shakespeare, se pensiamo ai riferimenti amletici che troviamo ne Il gabbiano.

La figura simbolica del lago, che soffoca i personaggi e prosciuga le loro anime, è simbolo della noia e del decadimento esistenziale.La libertà a cui tanto aspira Nina diverrà la sua stessa condanna: quando andrà via dalla campagna, per intraprendere la carriera di attrice e la

relazione con Trigorin, il suo sogno verrà frantumato.

Ogni personaggio desidera qualcosa che non può avere, che a volte riesce a sfiorare, ma che poi si disintegra.

Ogni personaggio è condannato a una situazione di immobilità, sia chi aspira a una carriera artistica che a un amore impossibile.

Provo un amore sempre più profondo per Cechov, come una figlia può amare un padre. Ci sono scrittori che riescono ad essermi di conforto, anche se appartengono a epoche diverse dalla mia.

Nelle sue opere, Cechov, non si preoccupa di dare risposte ai grandi quesiti della vita, ma si “limita”, e in questo consiste la sua grandezza, a descrivere piccoli momenti quotidiani, che già di per sé stessi racchiudono l’immensità della vita.

Dini e Lucidi, quando parlavano di Cechov, bruciavano di un fuoco interiore che rimanda a qualcosa di sacro.

Filippo Dini, con il tormento nello sguardo, ha parlato di come ha concepito il testo, di come si è addentrato nello studio dei personaggi, dando vita a un Trigorin che forse nessuno si aspettava di veder rappresentato: buffo, con la balbuzie, portando una riscrittura del testo che sottolinea l’ossessione più profonda del personaggio, ovvero la scrittura.

Il Trigorin-Dini eccelle nella scrittura, ma fatica a esprimersi nel parlato.

La recitazione può aprire infiniti spazi creativi, in cui si può giocare a indossare un abito in modi che neanche immaginiamo, uno stesso abito che si accende di colori diversi a seconda di come parliamo e ci muoviamo in scena.

Marcantonio Lucidi è maestro dell’arte oratoria.

Le sue parole sono dotate di un forte magnetismo.

Ha presentato inizialmente la figura di Péter Szondi, storico ungherese delle letterature comparate, che ha scritto “Teorie del dramma moderno”, sottolineando la centralità di Cechov.

Dopo una parte teorica, di spiegazione, Lucidi ha passato la palla a noi allievi, facendoci parlare dello spettacolo di Filippo Dini, da lui recensito.

L’aspetto significativo è stato che, per tutto l’incontro, non abbiamo parlato dello spettacolo di Dini, ma della percezione che ciascuno di noi ha avuto dello spettacolo. Lucidi ci spinge ad argomentare, a spiegare con il cuore e la ragione ciò che raccontiamo, che sia cinema o teatro.

Un attore non è solo colui che dice le battute scritte da un autore, ma le rende proprie vestendole di anima e istinto.

Il minimo comune denominatore dei suoi incontri è il dubitare.L’attore deve porsi infinite domande, dubitare sempre, di tutto e di tutti.

Di questo si nutre la ricerca continua verso qualcosa che, per noi esseri umani, è intangibile.

L'articolo Mai si deve mentire: l’arte non tollera la menzogna – Cechov proviene da Fondamenta.

Tante novità in arrivo con Il Diario di Bordo di Fondamenta

Lunedì 19 Gennaio si terrà l’incontro con Filippo Dini, attore e regista attualmente inscena al Teatro Argentina di Roma con il suo spettacolo “Il gabbiano”.

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Abbiamo ascoltato con immenso interesse la storia di una persona e, poi, di un’attrice.
Non ci sono state maschere, solo l’autenticità dell’animo di una donna che ci ha fatto ridere e commuovere, trasformando una semplice stanza in un palcoscenico luminoso in cui ogni sua parola prendeva vita intorno a noi, come solo una vera attrice sa fare. Ci ha raccontato di come tutto è iniziato, rivivendo nei suoi occhi l’immagine del portone di casa di quando era piccola, che le ricordava la porta del teatro nel quale andava.

Degli addetti ai lavori del cinema e del teatro, che abitavano la casa di famiglia come passeggeri provvisori, e di quanto lei ne fosse affascinata. Del primo ruolo interpretato. Dei periodi di stasi che una carriera di questo tipo comporta e di come affrontarli e viverli al meglio.
Delle difficoltà che una donna ha in questo mestiere. Delle proposte spiacevoli che si possono ricevere per ottenere la parte.
Di una lunga strada che ha portato al ricevere un premio prestigioso, il quale regala tanta gioia, ma di quanto sia indispensabile rimanere con i piedi per terra, perchè nessuno regala niente, perché bisogna faticare per raggiungere ciò che si desidera, e questo credo sia anche la bellezza del sudore che si versa.

Un attore non smette mai di crescere. E’ all’interno di un’evoluzione continua. E’ come comprare il biglietto di una giostra dalla quale, una volta salito, sai che non scenderai mai, ma decidi comunque di prendere quel biglietto e di affrontare salite e discese vertiginose.
Il mondo cambia e il mestiere dell’attore cambia con esso.
Bisogna stare al passo, continuare a studiare, perfezionarsi, rimanere umili e servire il prossimo, come Teresa ha fatto con noi, regalandoci una parte di se stessa. Per due ore ci ha accompagnato dentro la sua storia mano nella mano, come una mamma tiene un figlio, al quale indica con il cuore la strada da percorrere.

R. II anno

Scopriamo insieme ciò che ha suscitato questo prezioso incontro alle allieve della Scuola Fondamenta! L’incontro con teresa mi è rimasto particolarmente impresso per la sua genuinità e per il modo in cui il suo pensiero resta profondamente ancorato alla realtà del mestiere, soprattutto in un momento storico in cui sembra che chiunque possa definirsi attore grazie ai social e ai contenuti cinematografici privi di spessore.
Ho percepito una grande onestà nel suo parlare dell’importanza dello studio, dell’insegnamento e di una passione che non è esibizione, ma dedizione quotidiana.
Il suo punto di vista mi è sembrato in forte sintonia con ciò che viene trasmesso in accademia: l’idea che questo lavoro richieda tempo, ascolto, disciplina e una continua responsabilità verso ciò che si sceglie di raccontare. E’ stato un incontro che ha rafforzato il mio pensiero personale su questo mestiere, e sulla teoria che nulla accade per caso.

Aria II anno

Gli occhi di Teresa hanno trasmesso: serenità, amore per il proprio mestiere e coraggio. Quel coraggio che un giorno, noi giovani, vorremmo avere su un set e sopra ad un palcoscenico. La sua voce è quella di una donna determinata che ha scoperto, per destino o casualità, la sua strada e non l’ha mai – nonostante le difficoltà – cambiata. Senza filtri, senza inganni, da vera napoletana, Teresa è stata la protagonista di due ore colme di chiacchierare amichevoli: ci ha raccontato curiosità e consigli, aprendosi a noi, desiderosi di apprendere. Due frasi mi hanno colpito in particolare:
“Le pause non mi fanno paura perché oltre ad essere un’attrice, io sono umile e rimango semplicemente Teresa: una mamma, amica, moglie che ha tante altre passioni e le mie giornate le riempio come voglio”

.

E poi:

“Non ho mai pensato di vincere un David di Donatello perché non è mai stato lo scopo del mio mestiere, io lavoravo e davo il meglio, poi se arriva, arriva. Ma non fate mai del successo il vostro unico obiettivo, altrimenti non otterrete mai veri risultati”

Anita I anno

Incontrare Teresa Saponangelo credo sia stato veramente utile e formativo per noi giovani attori. È essenziale, per chi vuole fare questo mestiere, attingere ai racconti di esperienza di chi di questa passione ha fatto la propria vita e quotidianità. Ho apprezzato tantissimo il suo ricordarci, con grande convinzione, quanto sia fondamentale essere competenti, studiare e formarsi soprattutto al giorno d’ oggi, dove troppe volte questo punto viene sottovalutato e la meritocrazia spesso scarseggia. Noi siamo giovani e spesso vacilliamo, siamo pieni di insicurezze e paure, ecco perché per me ascoltare Teresa è stato rassicurante, soprattutto quando ci ha fatto capire l’importanza di non far ruotare tutto intorno alla nostra arte ma di riempire la vita anche di altro, di essere consapevoli che oltre ad essere attori siamo anche amici di qualcuno, figli di qualcuno, fidanzati di qualcuno, per imparare a vivere meglio le frustrazioni che a volte questo lavoro comporta. È stato bello avere la possibilità di parlare con lei, farle delle domande da cui ricavare, almeno personalmente, degli insegnamenti, come l’importanza di portare le proprie origini, la propria casa e la propria storia nei personaggi. Teresa si è rapportata a noi come fosse una nostra amica, è stata spontanea, semplice, ha riso con noi, non ha messo muri o maschere, non si è preoccupata di dover fare una buona o cattiva impressione, e questo, secondo me, riassume cosa significa essere grandi artisti. Ringrazio Teresa e ringrazio Giampiero per portare a scuola sempre ottimi esempi di quello che dovrebbe essere il mestiere dell’attore.

Elena G. III anno

L’incontro con la Saponangelo, a mio avviso, è stato emotivamente appagante. Mi è piaciuto molto il modo in cui ha raccontato il suo approccio al mondo della recitazione e come abbia affrontato anche situazioni spiacevoli, mantenendo allo stesso tempo un‘energia e una forza che l’hanno contraddistinta per tutto l’incontro. Un concetto molto bello che ha espresso, quando le è stato chiesto cosa l’avesse spinta a intraprendere questo mestiere, è quello di non aver mai pensato al successo nel suo percorso di studio, bensì di essere rimasta affascinata dall’interiorità, dalla sensibilità e dalla particolarità che caratterizzano la maggior parte delle persone che fanno parte di questo ambiente. Mi trovo molto d’accordo su questo punto, perché riscontro un fascino e’ un emotività in questo ambito che, banalmente, la maggior parte delle persone ha perso dopo l’infanzia. La stessa Teresa ha trasmesso tutto ciò che ho elencato semplicemente parlandocon amore, cura e rispetto di quello che oggi è il suo mestiere, e la ringrazio per le belle sensazioni trasmesse.

Nicole I anno

«Chi nun ten curagg nun s ’ corc cu ’ e femmene belle», chi non ha coraggio non va a letto con le belle donne.
È stata la mano di Dio, film di Paolo Sorrentino.
Spesso si sente dire che, al giorno d’ oggi, scegliere di fare l’ artista sia una scelta coraggiosa. Un ’osservazione sicuramente legittima da un punto di vista razionale. Ma davvero si tratta di coraggio?
Venerdì 19 dicembre, durante un incontro presso la Scuola Fondamenta, ascoltavo le parole di Teresa Saponangelo, attrice di successo.
Raramente capita di percepire ottimismo quando si parla di arte, e Teresa è stata un’ondata di positività e leggerezza.
Il suo passato artistico, ricco di esperienze, è stato raccontato con una carica emotiva che ha evidentemente mosso gli animi in aula. Teresa ha sottolineato l’importanza di voler fare questo mestiere non guidati dalla brama di successo, ma dal desiderio di concedersi completamente all’ arte drammatica, spinti unicamente dall’ amore per essa. Durante l’incontro è stato citato James Hillman, psicologo statunitense, e la sua “Teoria della Ghianda” , secondo cui ogni individuo porta in sé il seme del proprio destino, così come una ghianda contiene già la quercia. Un talento, un ’immagine interiore di sé che attende di essere scoperta e realizzata. Questa forza interiore Hillman la chiama Daimon.
L’arte nasce da un ’ esigenza, da un desiderio profondo e incontenibile che spinge a esprimersi. E lo fa con un ’intensità tale da non considerare minimamente alcun “ rischio ” .
Forse non è coraggio. È desiderio. Sono Giuseppe Tempone, ho 27 anni e sogno di diventare un attore professionista. Onestamente, non so quanto sarà difficile realizzare questo sogno. Non so nemmeno se sia davvero questo il mio talento. Un rischio, però, ho già avuto modo di analizzarlo: rimanere nella mia vita precedente, quando la recitazione non era ancora così presente e studiavo tutt’ altro. Si stava spegnendo tutto e ho rischiato. Ora studio ciò che amo e sto vivendo uno dei periodi più belli della mia vita. Magari è anche coraggio. Magari, chissà, è lo stesso seme della ghianda.
Auguro un buon Natale e un buon anno a tutti. Soprattutto a chi ha dei sogni.

Giuseppe I anno
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Uno dei temi centrali dell’incontro è stato il lavoro che Teresa svolge nell’interpretare un nuovo ruolo. Da dove parte un giovane studente di recitazione quando deve approcciarsi allo studio del personaggio? Questo è ciò che gli allievi del II anno stanno affrontando quotidianamente in accademia. Ve lo mostreremo prossimamente attraverso le loro personali riflessioni.

Il Diario di Bordo di Fondamenta vi augura Buone Feste e un Felice Anno Nuovo!

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Attraverso elementi di storia del teatro, Marcantonio Lucidi, critico teatrale e giornalista, costruisce un ragionamento sull’arte teatrale e sulle sue teoriche.

Il primo incontro di quest’anno è dedicato al dialogo su due film diretti da Ettore Scola: “Brutti, sporchi e cattivi” e “La terrazza”, che mostrano frammenti di vita delle baraccopoli romane a metà degli anni ‘70 da un lato, e la borghesia di sinistra dall’altro.

L’attore deve necessariamente essere un attento osservatore.

Questa è stata la premessa iniziale da cui è partito il discorso di Marcantonio Lucidi, il quale ha coinvolto gli allievi nel confronto tra i due film, diametralmente opposti.

Più divoriamo con i nostri occhi la vita quotidiana, più saremo in grado di individuare i dettagli di un film e di uno spettacolo teatrale, e di immergerci in essi.

Bisogna abituarsi a vedere tutto ciò che è fuori da noi, che ci circonda, e renderlo nostro.

E’ stato analizzato il movimento della macchina da presa, le ambientazioni ed i vestiti indossati in entrambi i film, il lavoro sul personaggio fatto da Nino Manfredi rispetto agli attori presi dalla strada in “Brutti, sporchi e cattivi”.

Scola scelse di affiancare attori professionisti a veri residenti delle baraccopoli romane per dare maggiore autenticità e realismo alla rappresentazione della vita degradata nelle borgate.

Ogni inquadratura sembra una cartolina di un frammento di vita ammuffito di cui si riesce a percepire il fetore.

Gli incontri di questo tipo, in accademia, li trovo essenziali per aiutarci a comprendere che tipo di attori vogliamo essere.

Non è un passatempo recitare, è pericoloso, è difficile.

Quando siamo in scena abbiamo una responsabilità: essere autentici, altrimenti a che gioco stiamo giocando?

E’ stata una lezione centrale anche per il lavoro che abbiamo iniziato al secondo anno sulla costruzione del personaggio: passare dalla persona all’attore e dall’attore al personaggio.

-R. II anno

È ormai noto ai più che il cinema e l’intero mondo della recitazione italiana stiano attraversando uno dei periodi più tragici della loro storia. Gli ultimi tagli ai fondi pubblici destinati al cinema da parte del governo Meloni hanno suscitato nuove proteste nel settore, accompagnate da segnalazioni estremamente preoccupanti che riportano una percentuale inaccettabile di lavoratori a rischio. Anche per questo, l’incontro con Marcantonio Lucidi è iniziato con una premessa in cui è stata brevemente ripercorsa la storia economica del cinema italiano a partire dagli anni Sessanta – anni di massimo splendore, che hanno visto Ettore Scola tra i principali esponenti – fino alla crisi dei nostri giorni. Da quanto ho compreso, la fase discendente del cinema italiano è iniziata nel 1965 con la Legge Corona e da allora non si è più arrestata. Sono dunque decenni che, contrariamente a quanto accade nel resto del mondo, il cinema italiano porta avanti una lotta contro governi che, per ragioni mai chiaramente esplicitate, non dimostrano fiducia nel settore né nella sua importanza.

La riflessione che mi è sorta dopo l’appuntamento con Lucidi riguarda soprattutto questo aspetto e, più che una riflessione, è un quesito che mi pongo (consapevole della mia ignoranza e inesperienza): è davvero solo colpa dei governi? Com’è possibile che un settore così ampio e, soprattutto, un tempo così amato dal popolo italiano non sia riuscito a “difendersi” dalla costante diffidenza di chi detiene il potere? Lucidi, discutendo de La terrazza di Scola, ha evidenziato come Sorrentino, decenni dopo, con “La grande bellezza”, non avesse fatto nulla di realmente nuovo, denunciando nuovamente il fallimento radicale della società borghese che caratterizza il mondo del cinema e, più in generale, dello spettacolo. Dunque si può concludere che, nonostante la crisi, nel corso degli anni non sia cambiato molto. Esiste ancora quel “circoletto” radical chic che, con sorrisi falsi, non riesce a ribellarsi a un sistema fallimentare e, in fin dei conti, preferisce accontentarsi di risolvere solo le proprie questioni personali.

Scola, ne “La terrazza”, ci mostra la società di cui egli stesso fa parte: una società che dovrebbe saper comunicare per arrivare a tutti, ma che ancora oggi fatica a far comprendere la propria importanza. Forse non basta dare la colpa a chi ci governa. Forse serve unirsi per ribaltare la situazione, distaccandosi da un modus operandi puramente superficiale, orientato unicamente al successo individuale. E forse, per iniziare a farlo, bisogna prima toccare il fondo.

-G. I anno

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